viernes, 12 de agosto de 2011

El Último Cocalero: Rock recontra boliviano

El Último Cocalero es una banda de La Paz que surgió entre gases lacrimógenos; represión policial; alcohol de amigos con queso; el desamor; fútbol de barrio; migración- separación; y sobre todo la dictadura neoliberal que azotaba a Bolivia durante la década de los años noventa.

La banda se inició en el año 1996 con el nombre de El Último Cocalero y los Sánchez Berzaín, en alusión clara a la feroz represión que los cocaleros de la zona del Chapare boliviano sufrían por las órdenes de la embajada estadounidense al gobierno de Gonzalo Sánchez de Lozada cuyo brazo operativo tenía el nombre de Carlos Sánchez Berzaín, un polémico ministro del Interior cuya fortuna se hizo en base al narcotráfico, al tráfico de influencias y al robo de dinero del Estado.

Un poco tiempo después y después de que el grupo se hiciera conocer en festivales y juntuchas rockeras de la escena paceña deciden cambiarle el nombre a la banda a “El último Cocalero y los hijos de Rocha”, una referencia al embajador de EE.UU en La Paz, Manuel Rocha, cuya gestión se caracterizó por una guerra declarada al cocalerismo y a su líder indiscutible, Evo Morales Ayma.

En ese tiempo la banda estuvo formada por Marco Basualdo, voz y armónica, Arturo Choque, en el bajo, el Chicheño, en la guitarra, y miles de bateristas que pasaron por la bata hasta que apareció entre ellos, el Educas, con quien grabaron esta última producción, como un insulto final a un sistema al que nunca le bajaron sus calzones.

Los años pasaron, los cocaleros se volvieron gobernantes, y los gringos se fueron a su casa. Pero aquel contexto mencionado en el párrafo inicial de esta nota, continúa en Bolivia con una careta que es parte de un disfraz de un falso vuelco de tortilla.

Así, los gases lacrimógenos continúan, así como el alcohol de amigos con queso; el desamor; fútbol de barrio y migración- separación.

Una prueba de ello es este disco maravilloso grabado por el Último Cocalero que incluye en su música, algo de furia, desencanto; sabor a chaki; fútbol mal jugado; y a resaca con dolor de cabeza sin agua.

Es bueno mencionar la presencia del guitarrista argentino Xavier Moyano en primera guitarra y a Quiqui Rivero en la segunda.

Las cosas no han cambiado, y gracias a Dios tampoco el Último Cocalero. Este disco nos muestra una vez más que el rock ´n roll se lo hace desde el hígado y no desde el corazón, con un sentimiento y un espíritu que va más allá de aquella intención de ganar plata o ser famosos; una simple gana de hacer buena música basada en la realidad.

Así “Cuento Chino” es un tema dedicado a aquella gran estafa perpetrada por malos funcionarios de la Cancillería de Bolivia que prometieron a cientos de artistas un viaje pagado a la ciudad de Shanghai, una promesa que nunca fue cumplida y que terminó con la desaparición de los organizadores quienes dejaron a los artistas con los crespos hechos. Lo Lamento Bolviano trata de un boliviano migrante en Argentina; Livin Las Velas es un clásico en vivo de la banda y habla del traumatismo encéfalo craneal que causan los excesos de la vida nocturna en La Paz.

En fin, si vamos a hablar de una banda que pueda expresar en su música la verdadera vivencia boliviana en el siglo XXI me atrevería a decir que El Último Cocalero es la indicada para sobrevivir en el tiempo, en aquel tiempo que intenta matarnos a todos, pero que solamente lo logra con algunos.

Bájate el último disco de esta banda, es gratis.

domingo, 3 de abril de 2011

Jamiroquai – Rock Dust Light Star

Rock Dust Light Star no solamente es el nuevo disco de Jamiroquai, si no que es el mejor disco de esta banda inglesa que desde el 2005 no traía nada nuevo por algunos problemas que tuvieron con la disquera a la cual debían todo su trabajo y creatividad. El disco comienza con el tema que le da nombre al álbum. Una pequeña muestra del perfeccionismo de Jay Kay, que en este tema decidió plasmar como siempre sus críticas a la realidad y su actitud de mirarlo todo desde un punto elevado. I don´t feel love, because I got no faith, I´ve seen those twisted lies thrown back into my face, I´ve heard those crazy doctrines of the human race. I must be alone. Uno escucha el tema y no sobra nada, no hay decorados ni de más ni menos. A su vez, la voz de Jay Kay parece con los años no mostrar ningún pase de factura por tanta gira y camino transitado. Joyitas como Blue Skies, Never gonna be another, Goodbye to my Dancer, traen algunos de los elementos nuevos que trae la banda que esta vez tiene ciertos tintes de seriedad y madurez mental, pero eso no quiere decir que el lado fiestero de la banda haya sido archivado pues junto con esos temitas están las clásicas jamiquoaienses White Knuckle Ride, y All Good in the Hood. Con ese mismo detalle suena la otra joyita, Lifeline, que además de las cuerdas es acompañada por un set de vientos que le pone la frutillita al tema que más sobresale del tracklist. Luego el disco recorrerá los caminos de siempre. Hurtin por poner ejemplos arbitrarios, irán por las ramas de un funk más meloso y tranquilo, a diferencia de She’s a Fast Persuader, de ritmo más bolichero. El disco es una maravilla. Es una verdadera onda expansiva de buena onda.


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domingo, 13 de marzo de 2011

Deerhunter: visiones extra sensibles


Si bien Deerhunter es una de las “nuevas” bandas que ha captado ya la atención de los críticos y de la audiencia rockera de los últimos años, no deja de sorprenderme el éxito que tiene este cuarteto de Atlanta con sus temas tan personales y oscuros, provenientes de una mente alerta a cualquier detalle bello o atroz que ocurre en el mundo moderno.
Halcyon Digest es el álbum que el 2010 lanzaron al éter Bradford Cox, Locket Pundt y el resto de los Deerhunter, manteniendo esa línea sentimental y golpeadora que toca las fibras más íntimas de la gente disfuncional de la sociedad moderna.
El álbum abre con Earthquake, un tema que recuerda a aquellas experimentaciones sónicas del álbum Cryptograms basadas en las alucinaciones de Cox mientras recibía tratamientos específicos contra su enfermedad de Marfan. Pero la paz y tranquilidad químicas que produce este primer track son rotas con la introducción de guitarras eléctricas más crudas y distorsionadas al estilo que ya nos hicieron conocer con el Weird Era Continued y el Rainwater, sus dos últimas producciones conocidas hasta el 2010.
Uno de los temas más sobresalientes de Halcyon Digest es Desire Lines, un tema post punk cuya letra lleva hacia terrenos orientalistas y habla sobre la idea de ser libres sin deseos que llevan a conflictos innecesarios, una temática ya conocida por quienes siguieron a esta banda estadounidense desde sus inicios.
Un nudo en la garganta se forma cuando se llega al tema Helycopters, un intento más de manejar sonidos subliminales con el objetivo de tocar fibras escondidas en la mente. El resultado después de escuchar la canción es el de apagar el iPod, quedarse en silencio y rezar como lo hace el personaje de la tapa del disco, sintiendo esa sensación de ser un freak buscando algo más grande en el universo.
El álbum es una patada voladora. Deerhunter es una banda increíble. Una vez más confirmaron que su éxito es muy bien ganado, y, como lo decía al principio de la nota, es un éxito comercial generado por la muestra de realidades escondidas solamente percibidas por personas que poseen la sensibilidad que tiene el Cox.
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domingo, 16 de enero de 2011

El tañido roto de Broken Bells



Danger Mouse (Brian Joseph Burton), es uno de esos músicos actuales que de sólo escuchar una vez su sonido perdura por siempre en nuestras orejas.
El 2010 trajo consigo una nueva travesura perpetrada junto al violero/vocal de The Shins, James Mercer. El proyecto se titula Broken Bells y tiene como resultado un álbum muy completo e íntegro creado por los dos lóbulos del cerebro (es decir que les gustará a los chicos y a las chicas).
En lo personal, conocí a los Broken Bells sin saber que se trataba de Danger Mouse, pero cuando @mark_till lo posteó en el Blip.fm, me enamoré perdidamente de The High Road, una melodía triste y pegajosa con una letra basada en el laberinto de las drogas y su inencontrable salida inmediata. Luego me decidí por buscar el resto de las canciones y todas ellas tenían ese sabor a comienzos de año, ese sentimiento de haber terminado algo y de tener que comenzar otras cosas con la sensación de incertidumbre que de esa actividad resulte.
Muy recomendable son The Ghost Inside; Trap Doors; y la westeriana A Mongrel Heart. El resto de las canciones son igualmente destacables, pero son estas cuatro las que de una sola escuchada se apegan en el corazón y lo hacen latir a un ritmo de recuerdos inexplicables.

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domingo, 19 de diciembre de 2010

Zdzislaw Beksinski, Gótico, Apocalíptico, Fascinante

Nota tomada del blog Días del Futuro Pasado







El 21 de febrero de 2005, el pintor polaco Zdzislaw Beksinski fue encontrado muerto en su apartamento de Varsovia con diecisiete puñaladas en su cuerpo, dos de las cuales se consideraron mortales. Robert Kupiec (el hijo adolescente de su cuidador) y un amigo fueron detenidos poco después del crimen. Robert Kupiec se declaró culpable y fue condenado a 25 años de prisión por un tribunal de Varsovia, y su cómplice a 5 años. Poco antes de su muerte, Beksinski le había negado un préstamo a Kupiec.
Los últimos años de su vida habían sido muy duros para Beksinski. Su mujer, Zofía, murió en 1998. Un año después, en la víspera de Navidad de 1999, su hijo Tomasz (un popular presentador de radio y periodista musical) se suicidó. El propio Beksinski descubrió el cuerpo de su hijo Zdzislaw Beksinski (Sanok, 1929-Varsovia, 2005) fue fotógrafo, pintor y escultor, y aunque en sus inicios practicó el arte abstracto, es conocido sobre todo por sus pinturas surrealistas. En desolados parajes desérticos poblados a veces por seres de aspecto cadavérico se alzan extrañas construcciones en ruinas. A pesar de sus tonos sombríos, él decía que algunas de sus obras eran mal entendidas, ya que son más bien optimistas e incluso humorísticas.

En 1977 quemó varios de sus trabajos en el patio de su casa, sin dejar ni siquiera documentación sobre ellos, por considerar que eran demasiado personales o que no tenían la suficiente calidad para que la gente los viera.
Beksinski pintaba siempre escuchando música clásica, ya que aborrecía el silencio.
Ninguno de sus cuadros tiene título.
Al final de la década de los noventa descubrió los ordenadores, internet y la fotografía digital y experimentó con esta última hasta su muerte. Tengo la impresión de que Beksinski es uno de esos artistas cuya importancia irá creciendo con el paso del tiempo.
La web oficial de Beksinski tiene el mismo ambiente inquietante que sus cuadros. Si deciden entrar (bajo su responsabilidad) les aviso que los enlaces del menú están en unos circulitos negros con vida propia. Y la inevitable música no contribuye a tranquilizar el ánimo. Además de las pinturas, no dejen de ver sus dibujos.
Al final de la década de los noventa descubrió los ordenadores, internet y la fotografía digital y experimentó con esta última hasta su muerte. Tengo la impresión de que Beksinski es uno de esos artistas cuya importancia irá creciendo con el paso del tiempo.
La web oficial de Beksinski tiene el mismo ambiente inquietante que sus cuadros. Si deciden entrar (bajo su responsabilidad) les aviso que los enlaces del menú están en unos circulitos negros con vida propia. Y la inevitable música no contribuye a tranquilizar el ánimo. Además de las pinturas, no dejen de ver sus dibujos.

viernes, 6 de agosto de 2010

Origen, el "Matrix" del siglo XXI

Christopher Nolan parece empeñado en utilizar la gramática del blockbuster veraniego para elaborar un discurso propio que, desde ‘Memento’, tiene como denominador común las tensiones derivadas de las complejidades de la percepción humana surgidas de las diferencias entre la realidad física y la mental. En este caso, utiliza las convenciones de la película de atracos a lo ‘Ocean’s Eleven’, para añadirle capas de complejidad dramática y narrativa, y crear algo así como el blockbuster para espectadores post-’Lost’.
‘Origen’ parte de una base tan codificada como el thriller de atracos, aunque en un contexto de ciencia-ficción. El equipo de expertos está plagado de personajes estereotipados de nula profundidad psicológica (y algunos tan poco creíbles como la “brillante estudiante de arquitectura” interpretada por Ellen Page). Todos menos Cobb, el “Danny Ocean” de todos ellos, al que da vida un Leonardo DiCaprio que parece sacado tal cual, traumas incluidos, de la reciente ‘Shutter Island’.
A partir de ahí, la película se expande en dos direcciones. Una, la historia de amor “bigger than life” entre Cobb y su mujer (Marion Cotillard). Una idea que tiene su referente más obvio en el ‘Solaris’ de Tarkovsky y que, a pesar de su potencial romántico, carece de la intensidad emocional buscada. Y dos, la misión que debe llevar a cabo el equipo liderado por Cobb: introducirse en la mente del heredero de una gran corporación para implantarle una idea que, como un virus infeccioso, se desarrolle en su cerebro.
Es en esta segunda dirección, con resonancias del anime ‘Paprika’ de Satoshi Kon, donde Nolan lo da todo, sacando a relucir su enorme talento. Conforme se desarrolla la misión, el director empieza a añadir capas y capas narrativas que desembocan en un virtuoso y deslumbrante clímax final de más de media hora. Empleando una estrategia que recuerda a los videojuegos de aventuras gráficas, Nolan superpone cinco niveles narrativos que se desarrollan en unos entornos oníricos muy influenciados por las arquitecturas imposibles de Escher.
De esta manera, más que entrar por la puerta (re)abierta hace unos años por ‘Matrix’ en el cine de ciencia-ficción hollywoodiense, Nolan la tira abajo, la hace pedazos a golpe de puñetazos filosóficos y hachazos metafísicos, igual que se vienen abajo las construcciones mentales de los protagonistas de sus películas. 8.

Artículo escrito por JORIC. JENESAISPOP

martes, 27 de julio de 2010

In Memoriam: Gary Shrider, el monstruo de Funkadelic

Un universo de sonidos y luces propias tenía la música de Gary Shrider. Fue uno de los mejores alumnos de George Clinton y creó un nuevo sonido basado fundamentalmete en los sonidos do-woop, el funk y la psicodelia; su creación tuvo el nombre de Funkadelic, y junto a Parlamient lograron hacer evolucionar la música negra.
Fue uno de las pocas personas a quienes la iluminación espiritual y religiosa le llegó gracias a la presión estricta de su padre quien era un pastor fundamentalista que no podía aceptar que sus hijos se faltaran a la Iglesia cada domingo. Esta presión logró que entrara en contacto con el gospel y que aprendiera que los sonidos de la música no son simples ritmos y melodías entrelados, si no que tiene una relación directa con el alma humana.

Fundó United Soul con su amigo Cordell Booggie Mosson a los tempranos 16 años de edad y su sonido logró impresionar a Gerorge Clinton, quien en ese entonces era uno de los productores más exigentes de la Motown Records.

En los años setenta comenzó su carrera musical con el público más exigente de la época. Junto a Parliament, banda fundada por Clinton, comenzaron a darle un giro a la música mediante su sonido que lo autodenominaron P-Funk. Su impulso a la guitarra y al funk se encuentran en discos como Hardcore Jollies y A Nation Under a Groove.

Este gran músico negro se consolidó en la música como uno de los esenciales compositores de la música negra del soul, jazz y funk de los setenta. Su música permitió el nacimiento de músicos como Prince, Red Hot Chilli Peppers y toda la sarta de DJ´s Electrónicos que ahora pululan por todas las discos fashion de la ciudad.

Falleció el 16 de junio pasado con cáncer.

jueves, 7 de enero de 2010

Biosphere-Substrata

Substrata es considerado como uno de los mejores discos de ambient que se han producido en la historia de la música.
Biosphere, el nombre con el que el noruego Geir Jenssen aparece en sus producciones, logró desarrollar un sonido naturalista mezclado con fantasías del imaginario nórdico (que es muy distinto que la mitología, claro) y las mezcló con texturas de sonido que únicamente son escuchadas en la región extrema boreal del planeta.
Brian Eno calificó la música de Biosphere como “el descubrimiento de un nuevo universo del cual todos quieres ser parte”. Y está en lo correcto. Substrata sobre todo tiene ese don de lograr que el oyente se traslade hacia otros espacios y conozca a través de la experiencia auditiva algunos aspectos del planeta para algunos pueden resultar ser desconocidos.
Acá les dejo una de los mejores discos de ambient grabados en la historia.
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